KL hở,
VHP lại 'bắt' nhất với ca khúc Set Fire to the Rain
trong khi lời ca khúc Someone Like You làm VHP nhớ tới nhỏ Alex nhà VHP ...!!





Adele, hiện tượng hiếm thấy của làng nhạc quốc tế


A cantora Adele segura seus seis prêmios Grammy, na Califórnia, neste domingo.
REUTERS/Lucy Nicholson

Tuấn Thảo - rfi - THỨ BẢY 17 THÁNG BA 2012
Ca sĩ người Anh Adele là một hiện tượng hiếm thấy của làng nhạc quốc tế : chỉ với hai tập nhạc mà đã đoạt đến 8 giải Grammy. Trong khi nữ hoàng nhạc pop Madonna phải mất gần 30 năm sự nghiệp mới lập được một thành tích tương tự. Được giới chuyên nghiệp bình chọn làm nghệ sĩ xuất sắc nhất năm 2012, giọng ca của Adele còn ăn khách hơn cả Lady Gaga và Rihanna.

Tên thật là Adele Laurie Blue Adkins, cô sinh ngày 5 tháng 5 năm 1988 tại Tottenham vùng ngoại ô phía bắc Luân Đôn. Thời còn nhỏ, Adele sống một mình với mẹ, sau khi kể cha cô rời bỏ gia đình. Adele bắt đầu ca hát từ năm lên bốn, sáng tác ca khúc đầu tay vào năm 16 tuổi (nhạc phẩm Hometown Glory), mang nhiều ảnh hưởng của các nghệ sĩ pop rock như Jeff Buckley, Gabrielle, The Cure, nhưng thể loại mà cô thích nhất thời niên thiếu vẫn là blues và jazz điển hình qua các giọng ca Peggy Lee và Etta James.

Trước khi khởi đầu sự nghiệp ca hát vào năm 2006, Adele được đào tạo tại trường BRIT School ở Croydon, tức là bạn học cùng lớp với Leona Lewis và cùng trường với Amy Winehouse, Katie Melua. Nhiều ca sĩ người Anh xuất thân từ trường này đều thành danh sau đó, do vậy BRIT School được xem như là một lò đào tạo các tài năng đầy hứa hẹn. Bốn tháng sau khi tốt nghiệp, Adele cho phát hành trực tuyến (trên mạng Myspace) hai sáng tác ưng ý của mình. Các bài hát này lọt vào tai các nhà sản xuất (Nick Huggett và Jonathan Dickins) của hãng đĩa XL Recording.

Adele ký hợp đồng ghi âm đầu tiên vào năm 2006. Đúng một năm sau, cô trình làng album đầu tay mang tựa đề 19 (tháng 10 năm 2007), vì đĩa hát này do Adele ghi âm vào năm 19 tuổi. Chưa đầy một tháng sau tập nhạc này đã chiếm hạng đầu thị trường Anh Quốc, được bán hơn 2 triệu bản trên khắp châu Âu. Trên đà thành công này, công ty XL Recording ký thỏa thuận với hãng đĩa Columbia Records, để phát hành album của Adele trên thị trường Bắc Mỹ.

Cô ca sĩ người Anh tạo được bước đột phá ngoạn mục khi giành lấy hàng loạt giải thưởng âm nhạc Anh Quốc trong năm 2008, nhưng quan trọng hơn nữa là nhân kỳ trao giải thưởng ca nhạc Hoa Kỳ năm 2009, cô đoạt được 2 giải Grammy dành cho ca sĩ nhạc pop và tài năng đầy triển vọng trên tổng số 4 đề cử.

Album thứ nhì của Adele được phát hành vào tháng Giêng năm 2011. Do được ghi âm năm cô 21 tuổi, nên tập nhạc này mang tựa đề đơn giản là 21. Toàn bộ các ca khúc của album thứ nhì được sáng tác trong lúc Adele lưu diễn các tiểu bang miền Nam nước Mỹ.

So với album trước với sắc thái pop jazz, tập nhạc 21 mang đậm thêm ảnh hưởng của nhạc folk và country, nhờ gợi hứng từ dòng nhạc Nashville (vành nôi của country), mà sáng tác của Adele trở nên ít bài bản hơn, có thêm chiều sâu trong khoảnh khắc cảm xúc, ngẫu hứng bất chợt.

Tập nhạc 21 đánh dấu ngày đăng quang của Adele. Album thứ nhì của cô giành lấy ngôi vị quán quân thị trường Anh Mỹ, cũng như trên toàn châu Âu. Với tổng cộng là 16 triệu rưỡi album được bán chạy, Adele trở thành giọng ca ăn khách nhất trong năm 2011, vượt qua mặt các đối thủ nặng ký là Lady Gaga và Rihanna.

Hầu hết các ca khúc trích từ album này như Rolling In The Deep, Someone Like You, Set Fire in The Rain đều chiếm hạng nhất nhì trên thị trường quốc tế, còn trên mạng YouTube, video clip của những bài hát này lọt cùng lúc vào danh sách 10 đoạn phim ca nhạc được truy cập nhiều nhất. Đến giữa tháng hai năm nay, nhân kỳ trao giải Grammy 2012, Adele lại thắng đậm vì được xướng tên đến 6 lần. Với tất cả là 8 giải Grammy chỉ trong vòng 3 năm, Adele thuyết phục công chúng lẫn giới phê bình. Theo bình chọn của giới chuyên nghiệp, Adele dẫn đầu danh sách ‘‘25 trừ 25’’ tức là 25 nghệ sĩ dưới 25 tuổi mà lại có tầm ảnh hưởng rất lớn đối với giới trẻ.

Sở dĩ giới thanh thiếu niên ngưỡng mộ đến mức tôn sùng Adele, là vì đa số các sáng tác của cô đều nói về tâm trạng hoang mang của lứa tuổi biết yêu, nhưng xa hơn nữa là mặc cảm của những kẻ bị phản bội, bỏ rơi. Kẻ thất tình lúc nào cũng chán đời, ai oán, nhưng trong tiếng hát của Adele, tiềm tàng tiếng vọng não nuột ẩn chứa dư âm nức nở của ký ức tuổi thơ. Sự phản bội của người yêu càng đau đớn nhức nhối vì nó khơi gợi lại những vết gẫy tâm hồn đã có từ xa xưa, từ cái thời mà đứa bé bị người cha bỏ rơi, nên phải sống một mình với mẹ, lớn lên trong mặc cảm thiếu vắng tình người.

Về phong cách âm nhạc, Adele được xếp vào thế hệ thứ ba tiêu biểu cho làn sóng âm nhạc Anh Quốc ‘‘xâm chiếm’’ nước Mỹ (British Musical Invasion). Thế hệ đầu tiên là các nhóm The Beatles và Rolling Stone. Thứ nhì là các ban nhạc rock Oasis và Coldplay. Trong thế hệ thứ ba, Adele thường được so sánh với Amy Winehouse và Duffy. Cả ba đều có vết gẫy khàn đục trong làn hơi và thành danh nhờ phong trào blue eyed soul, hiểu theo nghĩa nhạc soul ban đầu dành cho người da đen, giờ đây cũng là thể loại sở trường của các nghệ sĩ mắt xanh da trắng.

Chất giọng của Adele thuộc vào hàng contralto, làn hơi không hẳn sâu vút đầy đặn, nhưng vô cùng biểu cảm ở những nốt trầm. Khác với Lady Gaga và Rihanna, chuyên dùng công đoạn hậu kỳ để tạo hiệu ứng âm thanh, Adele biết khuất lấp những khuyết điểm bằng lối diễn đạt. Giọng ca này thật sự phát huy với lối hát mộc, cách nhã chữ rất sang, đầy ngẫu hứng jazzy không đều đều và liền điệu, nhịp mạch đôi khi đứt quãng lại trở thành điểm nhấn, làn hơi khàn đục mang hơi hướm của dòng nhạc blue grass nhưng lại cộng hưởng với cách hát Phúc âm (gospel). Giọng ca của Adele nức nở ai oán, nhưng không cường điệu nhờ biết tiết chế dồn nén. Một tiếng gào thét của nội tâm, âm ỉ tiềm tàng như nhúm lửa dưới cơn mưa, không nên lời mà vẫn vang dội. Một lời than thở của linh hồn : Thà mồ côi còn hơn là bị bỏ rơi, thà từ chối còn hơn là phản bội.


Adele - Set Fire to the Rain Lyrics

Bài “Set fire to the rain” . Thanks VHP.

"Someone Like You" đã làm cho Alex thổn thức sao?
Bài đó là chuyện tình thứ thiệt của Adele viết thành nhạc đấy VHP.

RFI - THỨ SÁU 21 THÁNG SÁU 2013
Amor, Amor : Muôn thuở rumba, chữ thập tình ca



Tuấn Thảo
Hôm nay, 21/06/2013, là ngày đầu tiên của mùa hạ. Theo truyền thống từ năm 1981, nước Pháp chọn ngày này làm Ngày hội Âm nhạc. Kể từ hôm nay và trong suốt mùa hè này, RFI phát thanh loạt bài với chủ đề Nhạc tình muôn thuở. Đây là dịp để cho chúng ta cùng khám phá lại những giai điệu rất quen thuộc, cho dù công chúng ít để ý tác giả là ai.

Trong số này, có bản nhạc Amor, Amor, Amor (Tình yêu, Tình yêu) được chọn để mở đầu loạt bài Giai điệu muôn thuở trên đài RFI hôm nay. Ca khúc đã được ghi âm lần đầu tiên vào năm 1943. Tuy đã tròn 70 tuổi, nhưng khúc nhạc này viết theo thể điệu khiêu vũ rumba, cho tới nay, vẫn không có vết nhăn thời gian. Ngoài phiên bản rumba của Olivia Molina do RFI hoà âm lại năm 2013, chúng ta sẽ còn cùng nghe ca khúc này trong nhiều thứ tiếng khác, kể cả tiếng Việt, phối theo nhiều thẻ điệu như cha cha hay samba.

Trong nguyên tác tiếng Tây Ban Nha, bài hát do nhà soạn nhạc người Mêhicô Gabriel Ruiz Galindo sáng tác vào năm ông 35 tuổi. Bản nhạc được viết trong cái bối cảnh đổ vỡ hạnh phúc, trái tim chán nản, tâm hồn tuyệt vọng cho đến cái ngày mà con tim biết yêu trở lại, niềm hy vọng từ đó mà tái sinh. Để nhấn mạnh niềm tin tuyệt đối nơi tình yêu, tác giả lặp lại ba lần chữ Amor trong tựa đề nguyên tác, nhưng khi ghi âm thu đĩa, giới nghệ sĩ thường rút ngắn lại chĩ còn có hai chữ : Amor, Amor.

Olivia Molina - Amor Amor Amor 2007
http://www.youtube.com/w...edded&v=5GjgvSubJWw

Tác giả Gabriel Ruiz Galindo (1908-1999) sinh trưởng ở Guadalajara, thủ phủ vùng Jalisco, tức là có cùng nguyên quán với bà Consuelo Velázquez (tác giả của bài Besame Mucho) mà RFI sẽ đề cập đến trong một kỳ tới. Sau khi đổ bằng tú tài, ông nghe lời song thân, thi vào trường đại học y khoa. Nhưng đam mê đầu đời của ông vẫn là âm nhạc, vì từ thuở thiếu thời ông vẫn là một học trò xuất sắc của nhạc viện thành phố Guadalajara.

Học sang năm thứ ba trường y, thì vào năm 1930, ông lại nhận được một học bổng của Trường Quốc gia Âm nhạc. Chàng trai lúc đó 22 tuổi mới khăn gói lên đường đến thủ đô Mêhicô, bỏ ngành y chuyển sang học nhạc trong vòng bốn năm. Sau khi tốt nghiệp, ông gia nhập Dàn nhạc giao hưởng quốc gia Mêhicô. Sở trường của ông là chơi đàn vĩ cầm trong các buổi trình diễn nhạc thính phòng, nhưng bên cạnh đó ông còn biết đánh dương cầm và tây ban cầm, một yếu tố khá quan trọng, để làm giàu các làn điệu sáng tác sau này của ông.

Trong khuôn khổ Dàn nhạc giao hưởng Mêhicô, ông làm quen với bà Consuelo Velázquez. Bà nhỏ hơn ông nhiều tuổi, học sau ông nhiều lớp nhưng họ đều xuất thân từ nhạc viện thành phố Guadalajara. Cả hai đều có cùng một thầy vì trong dàn nhạc giao hưởng, bà Consuelo độc tấu dương cầm, còn ông Gabriel thì chơi vĩ cầm dưới sự điều khiển của nhạc trưởng Carlos Chavez. Về sau này, hai người đều có mặt trong ban chấp hành Hiệp hội các tác giả Mêhicô, và cả hai đều nhận giải thưởng thành tựu sự nghiệp trong cùng một năm 1989.

http://www.youtube.com/w...edded&v=mHw71VcYRBQ

Gabriel Ruiz Galindo viết những ca khúc đầu tay với tác giả Ricardo López Méndez vào giữa những năm 1930. Hai người từng quen nhau do sáng tác chung các ca khúc cho đài phát thanh : Gabriel soạn nhạc, Ricardo đặt lời. Tuy nhiên, những sáng tác đầu tiên này không thành công cho lắm, cho nên Gabriel mới chuyển qua sáng tác nhạc phim. Lối sáng tác của ông ban đầu rất nghiêm túc, mang nhiều ảnh hưởng của dòng nhạc cổ điển thính phòng.

Thầy của ông là nhạc sư Carlos Chavez mới khuyên ông là đừng ngại sáng tác nhạc nhẹ, vì theo ông Carlos Chavez điều quan trọng trong âm nhạc không phải là tính bác học hay bình dân, mà là tác giả diễn đạt được tình cảm chân thật từ đáy tim, chứ đừng có kiểu cách làm dáng. Đến một lúc nào đó, cái tình cảm chân thật ấy sẽ tìm thấy đối tượng đồng cảm.

Theo cách nhìn của người thầy, cái cốt lõi trong sáng tác là đạt đến sự tuyệt đối. Nhưng chữ tuyệt đối ở đây không có nghĩa là chinh phục mọi trái tim, mọi tâm hồn, bởi vì trên đời này chẳng có tác giả nào, dù có lớn cách mấy, cũng chẳng làm được như vậy. Chữ tuyệt đối ở đây nằm trong lối diễn đạt thấu đáo cặn kẻ cái cảm xúc của tác giả trong khoảnh khắc, tuy rất ngắn ngủi mà lại trọn vẹn.

DALIDA. Amor Amor.
http://www.youtube.com/w...edded&v=98IALQya8Yc

Hai năm sau khi bà Consuelo Velásquez thành công rực rỡ với bản nhạc bolero Besame Mucho (1941), đến lượt ông Gabriel Ruiz Galindo sáng tác ca khúc để đời kinh điển của mình. Tác giả này lấy kinh nghiệm của chính mình để đưa vào trong ca khúc. Sau khi viết nhạc, ông phác thảo ra lời hát đầu tiên, rồi nhờ người bạn đồng nghiệp Ricardo López Méndez gọt dũa lại. Kết quả là bản nhạc Amor, Amor phá kỷ lục số bán trong mùa hè năm 1943.

Chỉ vài tháng sau bài hát được chuyển dịch sang tiếng Anh dưới ngòi bút của Sunny Skylar. Tùy theo phiên bản ghi âm, các nghệ sĩ Anh Mỹ khi thì giữ nguyên tựa đề Amor, lúc thì đổi thành More and More Amor. Ca sĩ Bing Crosby mở đường cho các giọng ca crooner ghi âm bài này. Trong các phiên bản tiếng Anh đáng ghi nhớ có phần ghi âm của Andy Russell vào năm 1944, của Julie London vào năm 1963 và nhất là của Dean Martin phối theo điệu cha cha.

Trong tiếng Việt, bài này có đến ít nhất ba lời khác nhau. Trước hết có phiên bản ghi âm của anh Tuấn Ngọc mang tựa đề "Tình Yêu", và tùy theo nguồn, lời được ghi chép là của tác giả Vũ Tuấn Đức. Kế đến có phiên bản "Em Yêu" của ca sĩ Lê Toàn. Lời tiếng Việt thứ ba là của nhạc sĩ Khánh Băng.

Trong tiếng Pháp, bản nhạc được hai tác giả Pascal Sevran và Serge Lebreuil phóng tác cho Dalida vào năm 1976, nhân dịp cô ghi âm các tình khúc vang bóng một thời, làm mới bằng cách phối khí lại theo điệu nhạc disco (trong đó có các bài J’attendrai hay Besame Mucho). Trong tiếng Tây Ban Nha, Julio Iglesias kết hợp ca khúc này với điệu samba, còn Luis Miguel cũng hay phối lại bản nhạc với lối hòa âm nhạc pop.

Julio Iglesias - Amor, Amor, Amor
http://www.youtube.com/w...edded&v=-iNbx9Ec5HM

Dù có cố gắng cách mấy, các tác giả chuyên phóng tác chuyển ngữ vẫn không lột tả được hết cái ý tứ trong nguyên tác tiếng Tây Ban Nha. Vào lúc các nhà soạn nhạc bolero hay rumba tìm cách làm giàu ca từ bằng cách tránh lặp đi lặp lại những chữ đã dùng, thì hai tác giả Ruiz-López cố tình dùng sự trùng lặp để nhấn mạnh ý tứ. Ngoài chữ Amor, hai chữ khác là "nació" có nghĩa là nảy sinh và "besos" những nụ hôn được dùng rất nhiều lần. Nhưng độc đáo nhất là cách dùng ẩn dụ trong phần điệp khúc mà ta có thể tạm dịch như sau :

Nghe trong tim, nụ hôn xây tổ ấm
Cho cánh chim hy vọng trổ nhánh ngầm
Rắc trên môi làn hôn đầy chữ thập
Khắc niềm tin thắp sáng cõi thì thầm

Cách dùng ẩn dụ liên hoàn mà hoán chuyển, lần lượt nối kết nhau để tạo ra một sự chuyển động rất tượng hình. Nói rằng một đàn chim đang làm tổ thì nghe rất thường, nhưng hoán đổi hình tượng của một bầy chim bằng hình ảnh của những nụ hôn về xây tổ ấm trong đáy tim thì bỗng nhiên nghe rất lạ tai.

Tổ ấm xây xong, đàn chim lại tung bay tựa như thiên sứ đem những nhánh hy vọng đặt trên bờ môi người yêu, ánh sáng là biểu tượng của hy vọng, nụ hôn chữ thập là biểu tượng của thánh giá niềm tin. Thủ pháp ẩn dụ ở đây càng độc đáo khi dùng hình tượng tôn giáo chỉ để nói lên duy nhất một điều : tuyệt đối nhiệm mầu phép lạ tình yêu, trổ mọc nhánh hoa sa mạc tiêu điều, trẻ lại tâm hồn già cỗi đìu hiu.

RFI - THỨ BẢY 29 THÁNG SÁU 2013
Daft Punk, cánh chim đầu đàn dòng nhạc French Touch



Tuấn Thảo
Trong làng nhạc quốc tế, ít có trường hợp nào lạ lùng như nhóm Daft Punk. Trong vòng 20 năm sự nghiệp, ban nhạc chỉ cho ra mắt bốn album. Tập nhạc thứ tư và cũng là album mới của nhóm phá kỷ lục số bán khi được phát hành vào tháng 5/2013. Mang tựa đề Random Access Memory, album này đánh dấu ngày Daft Punk trở lại trên tột đỉnh, sau 8 năm vắng bóng.

Nhóm Daft Punk là cánh chim đầu đàn của dòng nhạc điện tử theo kiểu Pháp, gọi là French Touch. Ban nhạc gồm hai thành viên là Thomas Bangalter và Guy Manuel de Homem-Christo. Họ chuyên kết hợp các âm thanh điện tử house và electro với các nhịp điệu kích động của rock, groove và disco.

Nét độc đáo của nhóm này là không bao giờ lộ diện trước công chúng. Daft Punk tự định nghĩa họ là những nghệ sĩ độc lập vô danh, do vậy công chúng không bao giờ thấy được diện mạo của họ. Khi xuất hiện dưới ánh đèn sân khấu, nhóm này tựa như người máy robot, trên đầu lúc nào cũng đội mũ bảo hiểm, che kín khuôn mặt của mình.

Trong giai đoạn khởi đầu, nhóm này thật ra gồm ba thành viên. Họ quen nhau từ năm 1987, khi còn là học sinh trường trung học Carnot ở Paris. Thomas Bangalter và Guy Manuel de Homem-Christo cùng thành lập với Lawrence Brancowitz một ban nhạc rock tên là Darlin'. Bản nhạc ghi âm đầu tiên của nhóm phát hành vào năm 1991 hoàn toàn gặp thất bại. Lawrence sau đó tách ra riêng và gia nhập ban nhạc rock Phoenix, rất ăn khách vào những năm 2000. Còn Thomas và Guy Manuel thì tiếp tục thử nghiệm với âm thanh điện tử.


Vào tháng Năm năm 1993, tức cách đây vừa đúng 20 năm, một nhà phê bình âm nhạc của tạp chí chuyên ngành Melody Maker khi khám phá dòng nhạc thử nghiệm của ban nhạc người Pháp tỏ ý chê bai và gọi đó là ‘‘daft punky trash’’, hiểu theo nghĩa một mớ tạp âm ngớ ngẩn điên khùng. Đôi bạn Thomas và Guy Manuel mới chọn câu nói này làm nghệ danh. Ban nhạc Daft Punk chính thức ra đời vào giữa năm 1993.

Trong vòng 4 năm liền, Daft Punk chọn hình thức tự sản xuất, hợp tác với các hãng đĩa độc lập thay vì dựa vào mô hình công nghiệp lăng xê của các hăng đĩa lớn để phát hành âm nhạc của họ. Nhóm này tham gia vào nhiều liên hoan nhạc điện tử, hòa âm trong các hộp đêm, biểu diễn mở màn cho nhóm Chemical Brothers tại Luân Đôn. Sau 4 năm hoạt động, Daft Punk lọt vào mắt của hãng đĩa Source, một chi nhánh của tập đoàn Virgin để trình làng album đầu tay với tựa đề Homework.

Được phát hành đầu năm 1997, tập nhạc đầu tiên của nhóm Daft Punk mang đậm sắc thái của dòng nhạc house, theo trường phái Detroit và Chicago. Âm thanh khá mới lạ của nhóm nhạn được sự hưởng ứng của giới phê bình lẫn công chúng. Bài Around the World nhờ vào sự hợp tác của đạo diễn Michel Gondry và nhà biên đạo múa Blanca Li, trở thành một trong những video clip thịnh hành nhất trên các kênh truyền hình ca nhạc.


Sau thành công bước đầu này, Daft Punk không vội cho ra mắt album kế tiếp. Ngược lại, họ không ngừng làm viiệc trong phòng ghi âm, thử nghiệm đủ loại âm thanh để tìm ra những sắc thái khác biệt với các dòng nhạc điện tử ăn khách trên thị trường thời bấy giờ.

Mãi đến năm 2001, Daft Punk mới cho ra amwst album thứ hai mang tựa đề Discovery, hiểu theo nghĩa thám hiểm, du hành vũ trụ. Trích từ album này, bản nhạc One More Time lập kỷ lục số bán. Đà thành công của Daft Punk đánh đấu sự trỗi dậy của phong trào French Touch, mở đường cho các nhóm nhạc điện tử của Pháp chinh phục thế giới.

Vào năm 2005, Daft Punk trình làng tập nhạc thứ ba mang tựa đề ‘‘Human After All’’ khẳng định rằng đằng sau những âm thanh máy móc, vẫn có bàn tay của con người. Tuy nhiên, tham vọng của Daft Punk muốn biến những máy móc điện tử vô tri thành những nhạc cụ biểu cảm, chỉ đạt có một nửa. Tập nhạc thứ ba không thành công rực rỡ như mong đợi.

Vài năm sau đó, khi nhóm này tập hợp và hòa âm lại các ca khúc tiêu biểu nhất của cả ba album trước cho đợt trình diễn Alive, thì lúc đó nhóm Daft Punk mới chính thức được công nhận. Nhóm này đoạt hai giải Grammy dành cho Ghi âm và Album nhạc điện tử xuất sắc nhất năm 2009, sau 12 lần nhận đề cử. Nhờ vậy mà tập đoàn Disney mới đặt hàng cho Daft Punk sáng tác phần nhạc nền cho bộ phim Tron : Legacy.


Vào tháng Giêng năm 2013, nhóm Daft Punk rời hãng đĩa EMI để ký hợp đồng với Columbia Records. Tập nhạc studio thứ tư mang tựa đề Random Access Memories được phát hành vào ngày 20 tháng Năm. Ca khúc trích đoạn đầu tiên Get Lucky chiếm hạng đầu thị trường trên hơn 50 quốc gia, phá luôn kỷ lục số bán do ca sĩ Adele nắm giữ với nhạc phẩm Skyfall.

Lần này, Daft Punk mở rộng sự hợp tác với rất nhiều nghệ sĩ, trong đó có nhà sản xuất Giorgio Moroder, người đã làm nên tên tuổi của Donna Summer và nhất là ca sĩ Pharell Williams cũng như tay đàn ghi ta điện Nile Rodgers. Nổi tiếng trên khắp thế giới nhờ sáng lập ban nhạc Chic, tay đàn Nile Rodgers trước đó đã hợp tác với David Bowie trên album Let’s Dance(1983) và sau đó là Madonna trên abum Like a Virgin (1984).

Khi hợp tác với nhóm Daft Punk, tay đàn Nile Rodgers chẳng những tham gia sáng tác mà còn triệu tập hay tay trống cừ khôi nhất thế giới. Đầu tiên hết là John Junior Thompson, người đã chơi hầu hết các ca khúc của Michael Jackson trên hai album Of the Wall và Thriller, dưới sự điều khiển của Quincy Jones. Tay trống xuất sắc thứ nhì là Omar Hakim, hợp tác với Stevie Wonder từ năm 16 tuổi.


Kết quả là lần đầu tiên từ 20 năm qua, tức là từ khi được thành lập cho tới bây giờ, ban nhạc Daft Punk không còn sử dụng máy móc điện tử để tạo ra nhịp điệu cho các ca khúc. Thay vào đó là một bộ trống thật cũng như các nhạc khí truyền thống như ghi ta và đàn phím, để tạo ra một âm thanh ấm áp gần gũi hơn. Toàn bộ album mang đậm sắc thái của dòng nhạc funky soul của những năm 1970, phối hợp với lối hòa âm điện tử.

Tập nhạc thứ tư đạt đến chủ đích mà Daft Punk đã không thực hiện được trên album trước là Human After All, hiểu theo nghĩa rốt cuộc vẫn là con người. Âm thanh của Daft Punk trước kia lạnh lùng nay lại trở nên hoài cảm, lưu luyến. Một cách để ngầm cho hiểu rằng : Máy móc điện tử chỉ có bộ nhớ, chỉ có con người mới thật sự tràn đầy kỷ niệm.

Daft Punk - Within [Random Access Memories]
http://www.youtube.com/w...bedded&v=OTYIzQgERH0

RFI - THỨ BẢY 13 THÁNG BẨY 2013
La Playa, ghi ta thời gian tình chưa quên lãng



Tuấn Thảo
Năm 2013 cũng là thời điểm sinh nhật năm chẳn của khá nhiều ca khúc lừng danh quốc tế. Trong số những bài xưa nhất, có bài El Cóndor Pasa và bản tango El Choclo ra đời cách đây một thế kỷ. Nhạc phẩm Quién Será được ghi âm tại Mêhicô sáu thập niên về trước (1953). Một thập niên sau, đến lượt bài La Playa (Bãi biển) đi vòng quanh thế giới nhờ phiên bản dạo đàn ghi ta sáng tác vào năm 1963.

Khúc đàn La Playa mang đậm ảnh hưởng của dòng nhạc La Tinh nhưng thật ra bản nhạc này lại do một nhà soạn nhạc người Bỉ tên là Jo Van Wetter viết vào năm 1963, tức cách đây vừa đúng nửa thế kỷ. Tác giả bài hát tên thật là Georges Joseph Van Wetter, sinh trưởng trong một gia đình gốc flamand, nhưng cha mẹ ông đến lập nghiệp tại vùng Wallonie chủ yếu nói tiếng Pháp ở Bỉ.

Tuy không xuất thân từ một gia đình có dòng máu nghệ sĩ, những từ thuở nhỏ ông đã có năng khiếu âm nhạc. Thời niên thiếu, dù chưa được đào tạo bài bản, nhưng Jo Van Wetter chịu khó tự học đàn. Ông tham gia vào khá nhiều ban nhạc trẻ chuyên đi diễn tại các liên hoan địa phương và chủ yếu chơi lại các ca khúc thịnh hành từ những năm 1940 đến thập niên 1950.


Đến khi trưởng thành, ông Jo Van Wetter dời nhà về thủ đô nước Bỉ, và bắt đầu học đàn ghi ta cổ điển tại Nhạc viện thành phố Bruxelles. Ông học cùng một lớp với tay đàn ghi ta Charles Danielli. Cả hai về sau này đều mở lớp dạy nhạc, trong số những học trò của họ có Philip Catherine, một trong những tay đàn ghi ta nhạc jazz lừng danh nhất nước Bỉ.

Công việc dạy đàn không đủ sống, cho nên Jo Van Wetter sau khi tốt nghiệp nhạc viện thủ đô, tham gia vào rất nhiều nhóm nhạc lớn nhỏ để kiếm tiền qua các vòng lưu diễn tại các quán nhạc hay vũ trường. Trong nhiều năm liền, ông chủ yếu đi biểu diễn với các dàn nhạc hoà tấu dưới sự điều khiển của Jean Omer và nhất là của nhạc trưởng Henri Segers. Bên cạnh đó, ông cũng thường xuyên xuất hiện trong khá nhiều dự án ghi âm của giới nghệ sĩ trẻ thời bấy giờ như Frédéric Rottier hay ban nhạc The Cousins.


Đầu những năm 1960, vào lúc mà phong trào nhạc trẻ rộ lên ở châu Âu, giới ca sĩ ‘‘nhí’’ hưởng ứng dòng nhạc rock đến từ Hoa Kỳ bằng cách chuyển dịch rồi ghi âm lại các ca khúc Anh Mỹ, thì Jo Van Wetter lại khám phá các làn điệu ghi ta đến từ đảo Hawai. Cùng với nhiều tác giả khác như Willy Albimoor, Hans Blum và Michael Thomas (Martin Böttcher), nhạc sĩ Jo Van Wetter soạn một số khúc đàn theo thể điệu này.

Cả nhóm lấy tên là ban nhạc The Waikikis, và tập nhạc mang tựa đề là Hawai Tattoo trở thành một trong những album ăn khách nhất vào năm 1961. Trong vòng nhiều tháng liên tục, album này thống lĩnh thị trường các nước Bỉ, Đức, Hà Lan và Luxembourg, để rồi sau đó chinh phục các thị trường Anh Quốc, Canada, Hoa Kỳ và Nam Mỹ.

Sự thành công này đáng lẽ ra sẽ còn vang dội hơn nữa, nếu như ban nhạc The Waikikis lên đường lưu diễn để quảng bá cho album của họ, cũng như cho những bước kế tiếp trong sự nghiệp. Thế nhưng, những bất đồng với nhà sản xuất (Horst Fuchs) buộc một số tác giả phải rút lui.

Tuy sau đó, có cho ra mắt nhiều album khác, nhưng The Waikikis chủ yếu ghi âm ở phòng thu thanh, thành viên hay tác giả có thể luân phiên thay đổi, nhưng thực chất không phải là một nhóm có đủ tầm vóc, cũng như tầm nhìn như ban nhạc người Anh The Shadows với khúc đàn kinh điển Apache đầu thập niên 1960.


Năm 1963, một trong những album ăn khách nhất thị trường quốc tế là tập nhạc cover của nữ danh ca người Mỹ Julie London, qua đó cô ghi âm lại hầu hết các bản nhạc tình La Tinh kinh điển phối theo điệu cool jazz. Khi được nghe album này, Jo Van Wetter mới ngẫu hứng sáng tác khúc đàn mà ông đặt tên là La Playa. Khúc nhạc này trở nên thịnh hành nhờ các bản hòa tấu, song tấu hay độc tấu Tây Ban Cầm (chẳng hạn như phiên bản của Claude Ciari).

Lúc đầu, ông định soạn khúc đàn này theo thể điệu bossa nova (ra đời vào năm 1958), vào lúc mà phong trào này đang trở nên cực thịnh tại các nước Âu Mỹ, sau thành công ngoạn mục của bài Manha de Carnaval, ca khúc chủ đề của bộ phim Orfeu Negro. Rốt cuộc, ông lại phối theo nhịp điệu rumba, nhưng với lối chơi đàn ghi ta thùng rất mộc, chứ không phối với một dàn nhạc theo kiểu nhạc khiêu vũ hay theo phong cách easy listening.


Tác giả người Pháp Pierre Barouh, nghe được khúc đàn La Playa khi anh vừa từ Brazil trở về Paris. Pierre Barouh là người sáng tác sau này nhạc phẩm Samba Sarava (1966) và hát ca khúc chủ đề của bộ phim Un Homme et Une Femme (Câu chuyện một người đàn ông và một người đàn bà) của đạo diễn Claude Lelouch, mà hầu hết mọi người chỉ nhớ mang máng câu hát mở đầu. Cảm thấy hứng thú, Pierre Barouh mới đặt lời ca tiếng Pháp cho giai điệu. Khúc đàn trở thành một bài hát và được ca sĩ Marie Laforêt ghi âm vào năm 1964.

Sau thành công của ca khúc tiếng Pháp, nhiều phiên bản chuyển dịch khác lần lượt ra đời, kể cả tiếng Ý, tiếng Tây Ban Nha và Bồ Đào Nha. Còn trong tiếng Việt, bài La Playa có ít nhất hai lời. Bài này từng được tác giả Phạm Duy phóng tác thành nhạc phẩm Dòng sông quê hương do nhiều nghệ sĩ như Ngọc Lan, Kiều Nga hay Thanh Lan ghi âm lại. Lời Việt thứ nhì không ghi rõ tác giả, có tựa đề là Biển vắng Thiên đàng.

Bài hát La Playa ăn khách đến nỗi người Brazil nghĩ rằng ca khúc A Praia bằng tiếng Bồ Đào Nha là một giai điệu của xứ họ. Còn tại Puerto Rico hay Nam Mỹ, không ai tin rằng La Playa trong nguyên tác là một khúc đàn của một tác giả người Bỉ gốc Hà Lan. Theo dòng đời năm tháng, tay đàn Jo Van Wetter đã chìm dần vào quên lãng nhưng khúc nhạc dịu dàng mà ông đã soạn lại trở nên bất hủ, vượt thời gian.

La Playa - Romantic Guitar
http://www.youtube.com/w...edded&v=0tUKPbRqxhU


Agnaldo Rayol canta A Praia (La Playa)
http://www.youtube.com/w...bedded&v=k0M0s8-mYkg

RFI - CHỦ NHẬT 11 THÁNG TÁM 2013
Đàn tango sầu mộng Tình cho không biếu không



Tuấn Thảo
Dòng nhạc tango của Argentina một khi du nhập vào châu Âu đã cho ra đời phong trào sáng tác nhạc khiêu vũ. Nhiều ca khúc tiếng Ý, tiếng Pháp hay Tây Ban Nha trở nên ăn khách qua điệu tango. Trường hợp của hai bài Chitarra Romana (Khúc đàn buồn) và L’amour c’est pour Rien (Tình cho không biếu không).

Nhạc phẩm Chitarra Romana (tựa tiếng Anh là Roman Guitar) ra đời vào năm 1934 dưới ngòi bút của tác giả Eldo di Lazzaro (1902-1968). Sinh trưởng tại Trivento, một thị trấn nằm cách thủ đô Roma khoảng 200 cây số về phía Đông, ông thành danh vào cuối những năm 1920 nhờ vào nghề soạn nhạc.

Nổi tiếng cùng thời với tác giả Giovanni D'Anzi (19063-1974), ông Eldo di Lazzaro đã góp phần làm giàu dòng nhạc tiếng Ý, một mặt duy trì truyền thống viết ca khúc Napoli, mặt khác hấp thụ ảnh hưởng văn hóa nước ngoài để làm mới các bài hát.

Khi sáng tác ca khúc, cả hai tác giả Eldo di Lazzaro và Giovanni D'Anzi thường viết theo kiểu stornello, một dạng ca dao bình dân, lời thơ rất ngắn nhưng phải có vần điệu. Lối sáng tác đoản khúc buộc tác giả phải viết lời cô đọng, biết tiết kiệm câu chữ nhưng vẫn khéo léo trong ẩn dụ, tài tình trong ý tứ.


Theo nhà văn Gianni Borgna, tác giả quyển sách mang tựa đề "Lịch sử của các ca khúc tiếng Ý" (Storia della Canzone Italiana), nhạc sĩ Eldo di Lazzaro đã viết nhạc phẩm Chitarra Romana với tham vọng là bản tango tiếng Ý này sẽ nổi tiếng không thua gì bài La Cumparsita của Uruguay và Argentina. Nếu như nhịp điệu bài hát thuần chất tango, thì trong ca từ, tác giả này đã cài rất nhiều hình tượng tiêu biểu của kinh thành La Mã cổ kính.

Trong ca khúc, nhạc sĩ Eldo di Lazzaro gợi lên khung cảnh thủ đô Roma lộng lẫy dưới bầu trời đêm lợp đầy sao sáng. Kỷ niệm tình yêu chốn cũ vẫn còn, tuy rằng hình bóng tình nhân năm nào đã vội tan, cho nên người nghệ sĩ mới ôm đàn thở than, chỉ còn sâu trong tiếng nhạc nỗi cô đơn về làm bạn.

Người đầu tiên ghi âm ca khúc này là ca sĩ Carlo Buti (1902-1963). Sinh trưởng tại Firenze (thành phố Florence), ông nổi tiếng vào đầu những năm 1930 và được mệnh danh là Giọng ca vàng nước Ý, nhờ vào lối vuốt chữ rất mượt như Bing Crosby hay Frank Sinatra của Mỹ. Nhưng đặc điểm của Carlo Buti là ông có chất giọng tenorino, tức là một giọng nam cao (tenor) chuyên hát chẻ giọng óc.


Trong gần 30 năm sự nghiệp, ông Carlo Buti đã lập kỷ lục với gần 1600 ca khúc ghi âm, thể hiện hầu hết các ca khúc nổi tiếng của Ý và mở đường sau đó cho hàng loạt ca sĩ như Lou Monte hay Al Martino, chuyên hát tiếng Ý nhưng lập nghiệp ở Hoa Kỳ. Trong các bản nhạc tủ của họ, dĩ nhiên là phải có Khúc đàn buồn.

Đúng ba thập niên sau ngày phát hành bản nhạc Khúc đàn buồn, một bài tango nổi tiếng khác, viết bằng tiếng Pháp, ra đời vào năm 1964. Đó là nhạc phẩm L’amour c’est pour Rien, rất quen thuộc với người Việt vì bài hát từng được tác giả Phạm Duy dịch thành Tình cho không biếu không.

Bài tango này ra đời dưới ngòi bút của hai tác giả : Enrico Macias soạn nhạc, Pascal René Blanc đặt lời. Thế nhưng điều gì đã thúc đẩy Enrico Macias viết một bản tango trong khi thể điệu này không phải là sở trường của ông ? Enrico Macias thành danh tại Pháp vào năm 1963 với nhạc phẩm Adieu Mon Pays có nghĩa là Vĩnh biệt quê hương nói lên tâm trạng của nhiều gia đình phải rời bỏ Algêri trở về Pháp khi Algêri tuyên bố độc lập.

Bài này cũng như nhiều sáng tác khác cho thấy là Enrico có sở trường viết nhạc bolero, tiêu biểu qua các bài như Beyrouth, Le Voyage, La Nuit Mexicaine hay Solenzara (tựa tiếng Việt là Nắng Xuân), một ca khúc đảo corse mà Enrico đã chuyển thể theo điệu nhạc này.


Vào năm 1964, Enrico Macias là giọng ca tuy chỉ vừa xuất hiện, nhưng lại rất thành công. Cùng với ca sĩ Richard Anthony, ông nắm giữ kỷ lục số bán nhờ sáng tác nhiều ca khúc ăn khách. Sự thành công đó giúp cho Enrico Macias đoạt nhiều giải thưởng âm nhạc trong năm 1964, trong đó có giải sáng tác Vincent Scotto.

Tại Pháp, tác giả người gốc Ý Vincent Scotto (1874-1952) nổi tiếng nhờ viết ca khúc J’ai deux Amours cho Joséphine Baker, bản Prosper (Youp la boum) cho Maurice Chevalier, bài Marinella cho Tino Rossi. Ngoài ra, ông còn có sở trường viết nhạc khiêu vũ, trong đó có nhiều bài tango.

Nổi tiếng nhất vẫn là bản Le plus beau des tangos du monde (Bài tango đẹp nhất thế giới), mà tác giả Vincent Scotto đã viết cho con rể của ông là ca sĩ Henri Alibert. Luis Mariano và Tino Rossi sau đó đều có ghi âm bài này. Trong tiếng Ý bài hát này do Carlo Buti ghi âm với tựa đề Il Piu Bel Tango.


Khi được trao giải sáng tác Vincent Scotto, Enrico Macias do không hề chờ đợi, nên rất ngạc nhiên bất ngờ. Xúc động trước những tình cảm ưu ái mà khán thính giả dành cho ông trong bước đầu sự nghiệp, ông mới ngẫu hứng ôm đàn soạn ra một giai điệu trong vòng chưa đầy một tiếng đồng hồ, thể điệu được chọn là tango để đánh dấu giải thưởng Vincent Scotto.

Người đặt lời cho ca khúc này là Pascal René Blanc, chứ không phải là tác giả Jacques Demarny, theo một số nguồn ghi chú, cho dù Jacques Demarny đã viết lời cho gần 150 ca khúc của Enrico Macias. Nhờ vào bài tango này và bản nhạc Solenzara, mà Enrico trở nên rất nổi tiếng ở Nhật Bản.

Năm 2013 đánh dấu 50 thành công sự nghiệp của ca sĩ Enrico Macias. Còn điệu tango truyền thống tiếp tục thành công cho tới năm 1974, thời kỳ trỗi dậy của tango đương đại, còn được gọi là tango mới, làm khựng lại phong trào sáng tác nhạc khiêu vũ không lời. Chỉ có những bản tango kinh điển, mới không trở nên lỗi thời.

Portofino, tượng thanh thắng cảnh mộng lành địa danh


Thị trấn Portofino trở nên nổi tiếng nhờ bài hát cùng tên (DR)

Tuấn Thảo - RFI - 04.10.2013
Vào đầu năm 2013, danh ca tenor người Ý Andrea Bocelli cho phát hành tập nhạc mang tựa đề Đam Mê (Pasione). Ngoài các bản bolero tiêu biểu cho dòng nhạc La Tinh, Andrea Bocelli còn đưa người nghe vào thế giới âm nhạc đầy nắng ấm, đi thăm các địa danh nên thơ, hữu tình của Brazil và của miền Địa Trung Hải.

Nếu như bờ biển Ipanema và đỉnh đồi Corcovado là những danh lam tiêu biểu cho thành phố Rio de Janeiro, thì bản nhạc Love in Portofino lồng câu chuyện tình vào một thắng cảnh nổi tiếng của nước Ý. Bài hát được ghi âm lần đầu tiên vào tháng Năm năm 1958, do tác giả Ferdinando (Fred) Buscaglione (1921-1960) sáng tác và trình bày.

Sinh trưởng tại Torino, miền bắc nước Ý, Ferdinando có năng khiếu âm nhạc từ thuở thiếu thời nên được cha mẹ cho theo học đàn tại nhạc viện thành phố Torino. Sau khi tốt nghiệp, ông kiếm sống nhờ nghề chơi nhạc jazz tại các quán nhạc, phòng trà.


Nhạc cụ sở trường của ông là đàn contrebasse và violon. Thời nhập ngũ đi lính, ông chủ yếu tham gia vào ban nghệ quân đội, nhưng chỉ được hát và sáng tác ca khúc tiếng Ý, bởi vì trong giai đoạn toàn trị của nhà độc tài Mussolini, phim ảnh cũng như các ca khúc nhạc ngoại đều hoàn toàn bị cấm.

Sau khi nước Ý bại trận, chiến tranh thế giới thứ nhì chấm dứt, Ferdinando bị quân đội đồng minh giam cầm trong gần một năm, nhưng nhờ có tài nghệ đàn hát, nên ông được quyền tham gia biểu diễn cho các đài phát thanh địa phương. Một khi được giải ngũ, ông trở về nguyên quán và chính thức chọn con đường sân khấu từ năm 1949 trở đi.

Vào đầu những năm 1950, làn sóng điện ảnh Hollywood đổ ập vào châu Âu trong giai đoạn tái thiết. Nhạc phim, nhạc jazz cũng như phong cách của các ngôi sao màn bạc Mỹ ảnh hưởng sâu đậm đến lối sáng tác của Ferdinando. Ông chọn nghệ danh là Fred Buscaglione, và vay mượn cung cách ăn mặc của thần tượng điện ảnh Clark Gable, từ mép râu dày cho đến cách chải tóc mượt. Để hát nhạc tình, có lẽ không có gì lý tưởng bằng việc hóa thân thành một trong những người đàn ông đẹp trai nhất hành tinh.


Thành danh nhờ nghề ca hát và đóng phim, Fred Buscaglione trong cách diễn đạt thiên về lối hát đầy ngẫu hứng, dùng ca từ rất ngắn mà tượng thanh (scat) của dòng nhạc jazz nhiều hơn là nhạc nhẹ. Có thể nói Fred Buscaglione là một trong những scatman đầu tiên, chứ không phải là crooner của nước Ý.

Phong cách này ảnh hưởng sau đó đến ca sĩ Paolo Conto trong bài hát Via Con Me ăn khách vào năm 1981. Nhưng khi hát nhạc tình, Fred Buscaglione cũng biết nhã chữ thì thầm. Ông sáng tác bài Love in Portofino (Tình yêu tại Portofino) vào năm 1958, sau một chuyến ghé thăm thị trấn ven biển này, nằm cách thành phố Torino 140 cây số về phía nam.

Bản nhạc nhanh chóng trở thành sáng tác ăn khách nhất của ông, cho dù chỉ có câu mở đầu là bằng tiếng Anh, toàn bộ phần còn lại được viết bằng tiếng Ý. Đây cũng là ca khúc duy nhất ông viết theo thể điệu rumba vào thời mà dòng nhạc khiêu vũ đang trở nên cực thịnh tại châu Âu. Đang trên tột đỉnh danh vọng, ông đột ngột qua đời vào năm 38 tuổi do tai nạn giao thông.


Với hơn hai triệu đĩa đơn bán chạy trong mùa hè năm 1958, bài Portofino tiếp tục ăn khách một năm sau đó với các phiên bản chuyển dịch sang tiếng Tây Ban Nha, Hà Lan, Hy Lạp … Riêng trong tiếng Pháp, bài hát có đến hai lời khác nhau. Lời đầu tiên được tác giả Jacques Larue chuyển dịch khá gần sát, giúp cho phiên bản ghi âm của Dalida phá kỷ lục số bán vào năm 1959.

Lời tiếng Pháp thứ nhì do hai tác giả G. Coulonges & R. Denoncin dịch rất thoát ý, hoàn toàn là một bản phóng tác được ca sĩ Nathalie Degand (nghệ danh là Zóe) ghi âm vào năm 1966 dưới tựa đề La Mélodie Mélancolique (Khúc nhạc buồn). Trong vòng nửa thế kỷ, hàng trăm nghệ sĩ đều cùng ghi âm một bản nhạc tình.

Trái với nhạc phẩm Portofino, từng được nhiều người thu đi thu lại, bài hát đề tựa Monaco 28° à l’ombre (có nghĩa là 28 độ dưới bóng râm) thuộc vào hàng ‘‘one hit wonder’’, tức là bản nhạc ăn khách duy nhất của một nghệ sĩ.

Bản nhạc này có giai điệu ngọt ngào khá quen thuộc, nhờ tiếng đệm đàn du dương, tiếng sóng vỗ dạt dào. Nhưng khi nhắc đến cái tên Jean François Maurice, thì chẳng có người nào biết tác giả là ai. Đằng sau cái nghệ danh này là nhà sản xuất kiêm nhạc sĩ người Pháp Jean Albertini (1947-1996).


Lúc còn trẻ, ông vào nghề sáng tác một cách tình cờ ngẫu nhiên, vì bố mẹ ông là bạn thân của gia đình nam ca sĩ Claude Nougaro. Khi phong trào nhạc trẻ những năm 1960 bắt đầu rộ lên ở Pháp, ông bắt đầu viết ca khúc cho lớp ca sĩ mới.

Chính ông là người đã viết lời ca cho hai ca khúc cực kỳ nổi tiếng của danh ca Christophe là Aline và Les Marionnettes. Ông cũng viết bài La Plage aux Romantiques cho ca sĩ Pascal Danel cũng như nhiều ca khúc khác cho Hervé Vilard hay Michèle Torr.

Sau hơn một thập niên viết nhạc cho người khác, ông ghi âm nhạc phẩm 28° à l’Ombre (tiểu tựa là Monaco) vào năm 1978, xen kẻ giọng đọc với giọng hát, kết hợp hình ảnh sang trọng của thành phố Moncaco với bờ biển cát ngà của hải đảo Maurice (Mauritius Island). Bởi vì ở Monaco, chẳng hề có rặng dừa xanh bên bờ cát trắng.

Được sáng tác ban đầu như một điệu nhạc quảng cáo du lịch, điều mà sau này sẽ nhiều lần được khai thác qua phim ảnh, bản nhạc này phá kỷ lục số bán vào mùa hè năm 1978, ăn khách hơn cả nhạc phẩm L’Été Indien của Joe Dassin phát hành ba năm trước đó. Bản nhạc của Jean Albertini cũng tiếp tục thành công trong hai lần tái bản vào những năm 1980.


Vô hình chung, cả hai bài hát Portofino và Monaco (28° à l’Ombre) đều góp phần là giàu bộ vựng tập bao gồm các bản nhạc chọn địa danh làm tựa đề. Đó là trường hợp của Syracuse, Ipanema, Corcovado, Granada, Venise, Solenzara hay Porto Vecchio.

Khác biệt hay chăng là tầm vóc và uy tín sẵn có của các địa danh, xinh như mộng, đẹp như tranh. Nói cách khác, các thành phố như Capri hay Monaco đã nổi tiếng từ lâu rồi chứ không cần có bài hát của Hervé Vilard hay của Jean Albertini.

Đổi lại, nhờ vào tác giả Fred Buscaglione, mà thị trấn hiền hoà Portofino trở nên một danh lam thắng cảnh nổi tiếng của nước Ý, với tháp chuông của nhà thờ San Martino lơ lững trên đỉnh đồi, gióng lên tiếng gọi mời cho bao đôi bạn đời, lúc tình yêu vừa tới.

28° A L'OMBRE Jean-François MAURICE
http://www.youtube.com/watch?v=uUf5mdcVNj4

Chiếc vĩ cầm tàu Titanic được bán với giá 1,4 triệu đô la


Chiếc vĩ cầm của nhạc trưởng Wallace Hartley trên tàu Titanic
vừa được nhà bán đấu giá Henry Aldridge & S bán với giá 900,000 bảng (1,45 triệu đô la) ngày 19/10/2013.

VOA - 19.10.2013
Cây vĩ cầm, được người đứng đầu ban nhạc sử dụng trên chiếc tàu Titanic bị chìm, vừa được bán với giá 1,4 triệu đô la.

Cây đàn này được bán vào ngày thứ Bảy ngay sau khi cuộc đấu giá bắt đầu tại một nhà bán đấu giá ở miền nam nước Anh.

Nhà bán đấu giá nói người thắng trong vụ đấu giá này là một người mua tại miền nam nước Anh.

Nhà bán đấu giá Henry Aldridge và Con trai, chuyên về các di vật của tàu Titanic, nói đây là một giá kỷ lục thế giới đối với những vật kỷ niệm có liên hệ đến tàu Titanic.

Ông Alan Aldridge, người điều khiển chính cuộc bán đấu giá nói cây đàn vĩ cầm này tạo được nhiều chú ý vì giá trị tình cảm của đàn.

“Cây đàn có tính cách biểu tượng. Cây đàn tượng trưng cho sự can đảm của con người, cách thức mà nhạc sĩ trẻ này và các đồng nghiệp cũng như tất cả mọi người cư xử một cách can đảm trên con tàu, ở lại với con tàu và hoàn thành nhiệm vụ của họ.”

Nhà bán đấu giá Henry Aldridge và Con trai nói cây vĩ cầm thu hút các nhà sưu tập trên toàn thế giới.

Các giới chức nhà bán đấu giá cho biết họ phải mất 7 năm để kiểm tra về tính xác thực của cây đàn.

Các giới chức này nói thêm là cây đàn thuộc về trưởng ban nhạc Wallace Hartley đang trình diễn bản nhạc "Nearer, My God to Thee" thì con tàu bạc mệnh Titanic bị chìm.

Ông Hartley và các thành viên ban nhạc đều thiệt mạng. Chiếc vĩ cầm được tìm thấy sau đó, vướng trong xác của ông Hartley trôi trên mặt biển.

Nhà bán đấu giá cho biết trong những năm qua, cây đàn qua tay nhiều người, gồm cả hôn thê của ông Hartley, chết vào năm 1939.

Tàu Tinanic ra khơi trong chuyến đầu tiên từ Anh đi New York thì đụng phải một băng sơn và chìm vào ngày 15 tháng 4 năm 1912. Hơn 1.500 hành khách đã thiệt mạng.